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Tipp Der Redaktion - 2020

Eine Mäßigkeit im Strom der Leidenschaft

Gestern Abend eröffnete das Stratford Festival mit einer Produktion vonRomeo und Julia dass ich nicht anders kann, als als einen spitzen Stock zu sehen, der nicht so sehr ins Auge als ins Ohr des früheren künstlerischen Leiters zielte.

Vor fünf Jahren leitete Des McAnuff in seinem ersten Jahr als Artistic Director (oder vielmehr als Co-Director in Verbindung mit zwei anderen Triumvern) aRomeo und Julia das öffnete sich mit einem Knall von Maschinengewehrfeuer, nicht weniger. So kündigte er seine Ankunft in Stratfords berühmtem Stadium an. Seine Produktion wurde anfangs in moderne Kleidung gesetzt, dann mit der Maske bei den Capulets in Periode getrennt, um dann im Grab in moderne Kleidung zurückzukehren. Es gab Dinge, die ich an dieser Produktion sehr mochte, andere Dinge, von denen ich dachte, dass sie überhaupt nicht funktionierten, und einige Elemente, die nur Zeit brauchten, um sich voll zu entfalten. Aber der Punkt ist, wir wurden mit Sicherheit darauf aufmerksam gemacht, dass es ein neues Kind in der Stadt gab.

Dieses Jahr, das erste unter der exklusiven Leitung von Antoni Cimolino (ehemals Generaldirektor, jetzt künstlerischer Leiter), beginnt das Festival erneut mitRomeo und Julia. Obwohl diese Produktion nicht von Cimolino selbst, sondern von Tim Carroll (der eine wunderbare Regie führte) inszeniert wirdPeter Pan Vor drei Jahren bei Stratford) hatte ich immer noch das Gefühl, dass die Programmierung eine Reaktion auf die vorherige Eröffnungsshow war. Die Nachricht: Sie haben noch nie ein neues Kind mit so altem Kopf gesehen.

Wieder einmal beginnen wir mit etwas Modernem, in diesem Fall einem Prolog, der Shakespeares Gedicht „Sternenkreuzer“ ersetzt. Die Montagues kommen heraus und kündigen das Stück an und beschreiben seinen Stil: Dies wird eine „originelle Praxis“ -Produktion sein, was bedeutet, dass das Stück, soweit machbar, so aufgeführt wird, wie es zu Shakespeares Zeiten gewesen wäre. Witze darüber, wie man Mobiltelefone zum Schweigen bringt, schreiben sich selbst, und dann kommen die Capulets heraus und behaupten, dass sie an der Reihe sind, das Ticket zu machen.

Was bedeutet "ursprüngliche Praktiken" in der Praxis? Es bedeutet, bestimmte moderne Heftklammern zu eliminieren: keine Lichtstöße, keine aufgenommene Musik oder andere Geräusche, keine Bühnenmaschinerie, fast kein Set - hier ein Hocker, dort ein Bett, und das war's. Und es bedeutet, ein paar zeitgemäße Akzente zu setzen: Live-Musik mit Originalinstrumenten, elisabethanische Tänze und in dieser Produktion zeitgemäße Streichhölzer in den Händen der Männer des Prinzen (ein besonders freches Nicken an McAnuffs sagenhafte Liebe zu Schusswaffen). Natürlich können Sie noch weiter im Kaninchenbau gehen als in dieser Produktion, indem Sie ausschließlich männliches Casting oder originelle Aussprache verwenden. Die wichtigste Implikation der „ursprünglichen Praktiken“ ist jedoch die Art des Handelns, die sich am deutlichsten in Versen und Monolog niederschlägt.

In vielen modernen Produktionen versuchen die Schauspieler, den Klang des Verses zu naturalisieren. Sie benutzen das Messgerät, sind aber nicht daran gefesselt, denn das oberste Ziel ist es, den emotionalen Sinn des Augenblicks zu vermitteln. In Carrolls Produktion ist der Zähler der Meister. Die Zeilenenden sind hart, unabhängig vom Enjambment, und im Allgemeinen wird der Vers in einem deklarativen Stil geliefert. Die emotionalen Qualitäten des Augenblicks treten in den Hintergrund der formalen Qualitäten der Sprache - die wiederum diese emotionalen Qualitäten vermitteln sollen, und zwar mit mehr Feinheit und Komplexität, als die Leistung eines Schauspielers liefern könnte.

Dementsprechend haben moderne Produktionen die Wahl, wie sie mit Monolog umgehen wollen, unabhängig davon, ob die Schauspielerin mit einem anerkannten Publikum oder mit sich selbst spricht. Aus der Perspektive des Publikums besteht ein enormer Unterschied zwischen direkter Konversation und dem Gefühl, belauscht zu werden. Moderne Produktionen können wählen, welcher Modus für einen bestimmten Moment besser geeignet ist (und für einen bestimmten Raum - manche Räume haben keinen) eine richtige vierte Mauer, um überhaupt zu brechen). Bei Shakespeare's Globe war das Publikum jedoch genau dort, sichtbar und bereit, mit den Schauspielern zu interagieren. Wenn Shakespeares Zeilen so geschrieben zu sein scheinen, als würden sie zum Publikum gesprochen, dann waren sie mit ziemlicher Sicherheit so gesprochen. Und so werden in Carrolls Produktion überwiegend diese Momente und mit dem Publikum gespielt, anstatt als Andeutungen privaten Denkens.

Diese stilistischen Entscheidungen haben ziemlich schwerwiegende Konsequenzen, insbesondere für ein Stück wieRomeo und Julia das neigen wir dazu, als wesentlich über die überwältigende Kraft der Emotionen zu denken. Immer und immer wieder wird in dieser Produktion, gerade wenn die Emotionen steigen, der Strom und der Sturm still und wir hören der formellen Rezitation von Versen zu.

Zwei Beispiele, die mir besonders aufgefallen sind:

Erstens, unmittelbar nach Mercutios Ausstieg, um zu verbluten, vollziehen Romeos Sympathien eine plötzliche Veränderung. Wo er versucht hatte, die Gewalt zu verhindern, in dem Wissen, dass Tybalt jetzt durch seine geheime Ehe mit Julia sein Verwandter ist, beschimpft er sich jetzt selbst dafür, dass er unter dem Einfluss der Schönheit seiner Frau „weibisch“ geworden ist, und beschließt, Julias Cousine zu töten. Es ist ein Moment intensiver Emotionen, und ich glaube nicht, dass ich jemals gesehen habe, wie Daniel Briere es letzte Nacht getan hat: Er wendet sich an das Publikum undGründe dafür sich in Rache und Mord. Ich hatte das Gefühl, ein Hamlet-Monolog zu sehen. (Es fügte der Unvereinbarkeit hinzu, dass Briere so ablenkend aussieht wie ein junger David Naughton, dass ich immer wieder davon ausging, dass er Pelz sprießen würde.) Ich möchte nicht vorschlagen, dass Briere einen schlechten Job gemacht hat - weit gefehlt; Er traf eine starke Wahl. Aber diese Wahl fühlte sich so an, als ob sie vom Stil der „ursprünglichen Praktiken“ diktiert wurde, und hatte in diesem Zusammenhang emotionale Qualitäten, die, obwohl sie faszinierend waren, zumindest für mich zutiefst entfremdend waren.

Zweitens spricht Capulet, nachdem er das Schlafzimmer der unverwüstlichen Julia betreten hat und herausgefunden hat, was seine Frau und die Krankenschwester bereits wissen, die folgenden Zeilen:

Tod, der sie von nun an zum Heulen gebracht hat,
Bindet meine Zunge zusammen und lässt mich nicht sprechen.

Wie sagt man, dass man nicht sprechen kann? Jammern Sie durch die Zeilen? Sprichst du einen anfänglich stillen Schrei aus, wie Al Pacino in der dritten Folge von "Godfather", nachdem seine Tochter getötet wurde? Starrst du nur dumm und dann, wenn alle anderen dich ansehen, denkst du: „Nun? Ihre Tochter ist tot - werden Sie nichts sagen? «Stolpern Sie über diese Erklärung für Ihr Schweigen? Die Auswahlmöglichkeiten sind zahllos - aber ich erwarte nicht, dass Sie sie einfach genau als akute Beobachtung des emotionalen Zustands der Figur vortragen.

Wiederum ist es keine negative Reflektion des Schauspielers, dass der Moment für mich mit einem alarmierenden Schauer gespielt hat. Scott Wentworth hat die Rolle des Capulet schon einmal großartig gespielt, und er spielt in dieser Produktion immer wieder eine herausragende Rolle - in seinen Verhandlungen mit Paris, in seiner wütenden Konfrontation mit seiner Tochter, in seiner Rüge an Tybalt, dass er sich geweigert hat, regiert zu werden von ihm, wenn Romeo beim Fest ausspioniert wird, etc. Aber hier wirkten die Imperative des Stils der „ursprünglichen Praktiken“ einer emotional kraftvollen Lesart der Zeilen entgegen - eine Lesart, die übrigens fast unmittelbar danach durchkommt mit „ der Tod ist mein Schwiegersohn “(und die Tatsache, dass diese ist die Linie, auf der Emotionen durchbrechen und Capulets Trauer definitiv hässlich auf den Kopf stellen.

Die andere Sache bei „Originalübungen“ ist, dass es keine ordnungsgemäße Blockierung gibt (außer für die notwendigerweise choreografierten Tänze und Kämpfe und dergleichen). Wo sich die Schauspieler in ihrem Sprechen des Verses an ein starres Programm halten, können sie in ihrem Körper frei improvisieren. Das bringt mich zu meiner größten Blockade-Frage der Nacht: der Einführung in Romeos und Julias Liebessonett.

Juliet ist am Ende eines Zuges von tanzenden Männern und Frauen und geht von der Bühne weg. Romeo nimmt ihre Hand - sie zieht sich zurück - und tanzt davon. Und kommt dann zurück. Und dann gehen wir ins Sonett.

Ich hatte Mühe, diese Wahl zu verstehen. Romeo hat uns erzählt, wie schön Julia ist, hat sie von weitem bewundert - ich weiß, worum es ihm geht. Aber Juliet hat diesen Mann noch nie zuvor gesehen, noch kann sie in dieser flüchtigen Passage die Chance gehabt haben, auch nur einen Blick auf seine Züge zu erhaschen. Und doch kommt sie zurück, als ob eine Berührung der Hand genug wäre, um die Liebe zu entzünden. Warum?

Das Spielen des Sonetts sagt uns nichts. Sara Topham, die Juliet spielt, ist in ihren Szenen mit ihrem Vater und mit Friar Lawrence (einem interessant nachdenklichen, fast kalten Tom McCamus) wild, aber das Sonett wird mit der gleichen begründeten Qualität gespielt, die ich in Brieres Monolog bei Mercutios Tod entdeckt habe . Die Szene hatte eine Formalität, die mich erneut beeindruckte und dem emotionalen Ansturm der Liebe sehr entgegenwirkte. Nun, ich habe sehr genaue Vorstellungen darüber, wie diese Szene funktioniert, aber sie hängen von einem modernen Bewusstsein für die Künstlichkeit von Versen ab, das, glaube ich, mit dem Ansatz der „Originalübungen“ schwer in Einklang zu bringen ist.

Ich hoffe, dass diese Beschreibung nicht als negative Bewertung verstanden wird. In dieser Produktion stecken viele schöne Dinge. Über die bereits erwähnten Performances hinaus möchte ich Jonathan Goads zynisch charmanten (und weniger antiken als sonst) Mercutio und insbesondere Mike Nadajewskis Peter hervorheben, der in einer Inszenierung, die sich so auf den Text konzentriert, noch nie so im Mittelpunkt des Dramas gestanden hat (ironisch) , da Peter der einzige Charakter ist, von dem wir wissen, dass er ihn nicht lesen kann). Die Kampfchoreografie ist ausgezeichnet - das Schwertspiel ist ziemlich kompliziert - und es ist wunderbar, die originalgetreue Nachbildung der zeitgenössischen Tänze zu sehen. Darüber hinaus gibt es Zeiten, in denen die starke Betonung der Zeilenenden bisher verborgene Lesarten im Text aufdeckt. Immerhin ist Enjambment ein klassisches Instrument für Ironie. Aber manchmal kommt es gefährlich nahe, wie der Prolog von Pyramus und Thisbe zu klingen.

Auch wenn der Stil gut funktioniert, funktioniert er gut, indem Sie mehr über den Text und seine Aussagen nachdenken. Und das weiß ich nicht Romeo und Julia belohnt diese Qualität der Aufmerksamkeit sowie andere Spiele. Ich habe zuvor zwei Originalübungen gesehen, einWintergeschichte am Globus in London und aMaß für Maß das reiste vom Globus nach St. Ann's Warehouse in Brooklyn. Ersteres war eine gemischte Tasche mit einigen wundervollen Elementen - insbesondere Autolycus und Hermine -, fiel aber mit Leontes zusammen, der einfach nicht die notwendigen emotionalen Qualitäten im deklamatorischen Stil vermitteln konnte. Letzteres war insgesamt viel erfolgreicher - was zum Teil an Mark Rylances Regie liegt, aber ich vermute auch daran, dassMessen ist ein sehr berauschendes, zum Nachdenken anregendes Stück. Es belohnt viel Nachdenken.

Romeo und JuliaIm Gegensatz dazu müssen Sie sich auf eine emotionale Reise begeben. Und bei all den Freuden dieser Produktion habe ich meinen Platz nie wirklich verlassen.

Ich plane jedoch, das Stück später im Sommer wieder zu sehen. Ich werde gespannt sein, wie es sich entwickelt, und ich werde gespannt sein, was mein Sohn von dieser ganz anderen Produktion hält als der, die er zum ersten Mal in das Stück eingeführt hat.

Romeo und Julia spielt bis zum 19. Oktober im Stratford Festival Theatre.

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UPDATE (26. Juli): Wir sind Anfang dieses Monats nach Stratford zurückgekehrt, und während wir in der Stadt waren, haben wir einen weiteren Auftritt von gesehenRomeo und Julia. Und ich freue mich, Ihnen mitteilen zu können, dass die Produktion erwartungsgemäß sehr gut ausgereift ist. Es ist erkennbar immer noch dieselbe Show, aber jeder ist entspannter und in der Folge spielen sich seine Gefühle viel effektiver ab.

Zwei Veränderungen waren besonders auffällig. Erstens hat sich die Chemie zwischen Daniel Brieres Romeo und Sara Tophams Julia deutlich verbessert. Dies ist nicht das erste Mal, dass ich Romeo und Julia sehe, die sich am Eröffnungsabend nicht zu verbinden scheinen, deren Beziehung sich jedoch im Laufe des Laufs erwärmt und vertieft. Meine erste Reaktion ist, dass dieses Muster etwas Negatives über die Plausibilität der Leidenschaft aussagt, die das Stück selbst bezeugt, aber ich frage mich nach Überlegungen, ob es nicht stattdessen auf ein Problem mit der Besetzung von erfahrenen Schauspielern, auch jungen, als Titel hindeutet Figuren. Das sollen eigentlich Kinder sein, aber wir sehen fast nie Teenager, die sie auf der Bühne spielen. Ist es möglich, dass die Wiederherstellung dieser bestimmten hormonellen Qualität eine große Herausforderung für Menschen in den Dreißigern oder Vierzigern ist, insbesondere, wenn der zusätzliche Druck der Eröffnungsnacht sich auf Ihre Leistung auswirkt? Ich weiß es nicht. Ich weiß, dass ich an den Eröffnungsabenden zwischen Hamlet und Ophelia, Macbeth und Lady M. oder den Liebhabern von nichts Ähnliches bemerkt habeEin Sommernachtstraum oderWie du es magst. Es geht um etwasR & J.

Zweitens hatte ich das wunderbare Glück, Gabrielle Jones als Krankenschwester zu sehen, und sie war einfach fabelhaft. Understudien bringen häufig eine besondere Energie in ihre Rollen ein, aber das war mehr. Sie brachte das tiefe und liebevolle Lachen in der Krankenschwester zum Vorschein, was ihren Verrat an Julia in ihrer Stunde der größten Not umso schmerzhafter macht. Ich hatte eine ähnliche Erfahrung beim WiedersehenGeiger auf dem Dachmit Barbara Fulton als wahrhaft goldene Golda; Mit Scott Wentworth's Tevye hatte sie eine wundervolle stachelige Chemie, die sich nicht vollständig zeigte, als ich sie zum ersten Mal sah. Fazit: Geben Sie nicht nach, wenn Sie hören, dass eine Zweitbesetzung stattfindet. Sie könnten in einem außergewöhnlichen Vergnügen sein.

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