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Glück Implosion

Sieben Kultfilme dokumentieren den Zusammenbruch des Idealismus der 60er Jahre.

Der Mythos der 60er Jahre ist einer der großen Kulte unserer Zeit. Wir alle kennen die Geschichte. Wenn Sie dies nicht tun, schauen Sie sich heute Abend oder an jedem anderen Abend PBS an. Es geht so. In ganz Amerika besiegte eine Revolution, die von den jungen, kreativen, idealistischen und furchtlosen Menschen angeführt wurde, ein stultifizierendes und korruptes Establishment und leitete damit ein ruhmreiches neues Zeitalter der Wahrheit, Freiheit und Authentizität ein.

Aus der Sicht der Verlierer, derjenigen, die die in „Leave It To Beaver“ dargestellte Gesellschaft nicht für riskant hielten, ist der Mythos nur ein weiteres Beispiel für das, was Herbert Butterfield die Whig-Interpretation der Geschichte nannte. Was aber an den 60ern merkwürdig ist, ist, dass es aus der Sicht der Gewinner eine verpasste Gelegenheit war.

Tom Wolfe, der große Sozialhistoriker dieser Epoche, hat jahrelang über seine Reaktion auf die Schicksalshändler Allen Ginsberg und Günter Grass in Princeton im Jahr 1967 nachgedacht. Er erzählte die Geschichte in einem Interview mit 2008 Der Beobachter:

"Sie und das Publikum", sagt er, immer noch leicht beleidigt von der Erinnerung, "gaben nicht nur kriegsfeindliche Äußerungen, sondern auch bösartige Äußerungen über die amerikanische Regierung ab - wie manche Menschen jetzt, Redefreiheit und all dies ..." 'Wolfe hörte sich rufen:' Ah! Komm schon! Das ist eine Glücksexplosion! Die Leute sind mit Geld bündig! Sie gehen in diesen Diskotheken im ganzen Land tanzen! ' Und die Sache ist, sagt er jetzt: "Ich hatte Recht und sie hatten Unrecht."

Wolfe hat nur Recht, wenn man seine Chronologie akzeptiert. Jetzt ist die Definition der Länge der 60er Jahre als kulturelles Zeitalter zu einer Art Heimarbeit geworden. Wolfe plumpst für 1964 bis 1968. Das ist zu eng und zu eigennützig. Eine genauere Länge wäre von der Ermordung Kennedys im Jahr 1963 bis zum Rücktritt von Nixon im Jahr 1974 oder dem Fall von Saigon im Jahr 1975. Auf jeden Fall hat Christopher Booker mit Sicherheit Recht, wenn er schreibt Die Neophiliacs„Als die sechziger Jahre zu Ende gingen, konnte nicht einmal die leidenschaftsloseste Umfrage des Jahrzehnts den fast universellen Verdacht verbergen, dass etwas mit dieser großen Freisetzung von Erwartungen geschehen war. Das goldene Zeitalter hatte in vielerlei Hinsicht sein Gold verloren: vor allem in Amerika. “

Wie Danny in "Withnail & I" Ende 1969 sagt, "verkaufen sie Hippieperücken in Woolworths, Mann." Das größte Jahrzehnt in der Geschichte der Menschheit ist vorbei, und wie Vermutlich Ed hier so konsequent betont hat, haben wir es nicht geschafft, es schwarz zu malen. “Oder wie Peter Fondas Captain America in„ Easy Rider “abschließt:„ Wir haben es vermasselt. “

„Easy Rider“ ist einer von sieben Filmen aus der Criterion-Sammlung „America Lost and Found: Die BBS-Geschichte“. Abgesehen von seinem Wert als Kunst dient dieses Set Historikern als Hauptquelle, um zu demonstrieren, wie die Explosion des Glücks geschieht in Bitterkeit, Bedauern, Wut und Paranoia aufgelöst.

BBS war ein Filmemacherkollektiv, das von 1968 bis 1972 aktiv war. Mitglieder waren der Regisseur Bob Rafelson sowie die Produzenten Bert Schneider und Steve Blauner. Es wurde seltsamerweise von den Monkees erzeugt. Inspiriert von Richard Lesters Beatles-Filmen konzipierten Rafelson und Schneider die Idee einer wöchentlichen Fernsehserie, in der zwei Schauspieler, Davy Jones und Mickey Dolenz, sowie zwei Musiker, Michael Nesmith und Peter Tork, miteinander in Konflikt geraten.

Die Monkees waren keine Bio-Popgruppe und wurden dafür von musikalischen Puristen gnadenlos verspottet. Sie wurden nach einem offenen Vorsprechen aufgrund zweier Qualitäten ausgewählt: Sympathie und Formbarkeit. Die zweite Qualität war von entscheidender Bedeutung, da sie im Besitz von Columbia Pictures und RCA Records waren, die keinen Unsinn über das künstlerische Temperament hatten. Die Monkees waren Marionetten, aber ihre Fäden wurden von den besten Musikern gezogen, darunter Neil Diamond, Carole King und Gerry Goffin, Tommy Boyce und Bobby Hart, und den besten Studiomusikern, LAs legendärer Wrecking Crew.

Wie sich herausstellte, waren The Monkees als Musikgruppe ziemlich gut. Cognoscenti haben erkannt, dass ihre größten Hits dem Vergleich mit den Top-Combos der 60er standhalten können, selbst mit den Beatles und Rolling Stones. Ihre beliebte Anziehungskraft war unmittelbar und sensationell. Sie verdienten ihren Besitzern viel Geld und tun es immer noch.

Bis 1968 waren sie jedoch ausgebrannt und hatten die Nase voll. Sie wurden so oft Phonies genannt, dass sie es glaubten. Sie haben nicht auf ihren Platten gespielt. Natürlich haben die Beach Boys auch nicht auf ihren Platten gespielt; Sie verwendeten die gleichen Musiker wie The Monkees. Irgendwie hat das Brian Wilsons gottgleiches Genie nicht beeinträchtigt.

Die Monkees gaben ihre Show auf und bemühten sich um Seriosität. Ein dankbares Columbia Pictures schenkte Rafelson und Schneider Blankovollmacht um einen Spielfilm zu machen, und so haben wir "Head", einen Kunstfilm mit dem Prefab Four, unter der Regie von Rafelson, geschrieben von einem Schauspieler, der bereit ist, an Roger Cormans Schule der Ausbeutung von Armut zu studieren: Jack Nicholson.

Es kommt ein Punkt, an dem Launen quälend wird. Dies galt für die Fernsehsendung von The Monkees und für „Head“. Der Unterschied zwischen beiden besteht darin, dass die Fernsehsendung zwar nur eine gute Stimmung hat, der Film jedoch eine sehr schlechte Stimmung hat. "Head" fragt, mit welchem ​​Recht wir grinsen und singen können, während unsere Soldaten in Vietnam sterben (oder hier das aktuelle Unglück einfügen). Diese Frage hat die Betroffenen des künstlerischen Temperaments lange gequält und wird in Preston Sturges 'meisterhaften „Sullivans Reisen“ definitiv beantwortet.

"Head" war ein Misserfolg, aber BBS hatte in Columbia immer noch Straßenerfolg, und sie bekamen eine weitere Chance, nämlich "Easy Rider". Die Sache war, dass ihre Filme nie viel Geld kosteten. Zum Wohle der jüngeren Leser muss erklärt werden, dass Hollywood zu einer Zeit zugelassen hat, dass Filme ihr Publikum finden. Es war eine Selbstverständlichkeit, dass einige Treffer und andere Fehler sein würden. Der Rekord von BBS lag bei vier (bescheidenen) Ausfällen und drei Blockbustern, eine Quote, die Hollywood für heute töten würde.

"Easy Rider", das 1969 erschien, war die Idee von Dennis Hopper, einem immergrünen Nutter, und Peter Fonda, dem Sohn von Henry, dem Vater der schönen Bridget. Die Handlung, wie sie ist, ist einfach. Fonda und Hopper fahren mit ihren berühmten Motorrädern von LA nach New Orleans, um eine große Menge Kokain zu verkaufen. Unterwegs nehmen sie einen betrunkenen, clownischen, aber liebenswürdigen Anwalt mit, der von Jack Nicholson gespielt wird. Sie werden alle von Rednecks ermordet.

Abgesehen von Nicholson ist „Easy Rider“ unerbittlich düster, was seinen Tod besonders schwer zu ertragen macht. Trotzdem hat es den amerikanischen Zeitgeist eingefangen, wie es nur wenige Filme jemals getan haben. Und das nicht nur amerikanisch. Man erinnere sich an den ehrwürdigen kanadischen Experten Allan Fotheringham Vancouver Sun. Nachdem er „Easy Rider“ gesehen hatte, wusste er nun, worüber die Kids redeten.

Aber was war das Peter Fondas Charakter kam zu dem Schluss, dass "wir es vermasselt haben". Fonda galt als die Stimme seiner Generation, aber das vermasselte "es" bleibt ebenso rätselhaft wie sein Captain America.

"Easy Rider" hatte für jeden etwas dabei. Der reaktionäre Karikaturist Al Capp von L'il Abner sagte, es sei sein Lieblingsfilm. Als ein schockierter Interviewer nach dem Grund fragte, antwortete er: „Weil es ein Happy End gibt.“ Die Unkenntlichkeit von „Easy Rider“ verleiht ihm auch einen bleibenden Reiz. Es kann als der Tod der Freak-Power oder als Punk-Revolutionäre gelesen werden, die bekommen, was sie verdienen. Oder es kann als Loblied auf den Ruhm der offenen Straße angesehen werden. So sah es sicherlich Albert Brooks hoffnungslos bürgerlicher, aber hilflos romantischer Adman in seiner überaus amüsanten 1986er Quasi-Parodie "Lost In America".

„Easy Rider“ wurde von László Kovács in exquisitem Licht fotografiert und kann auch als Reisebericht angesehen werden, in dem die Schönheit des amerikanischen Südwestens dargestellt wird - insbesondere, weil Regisseur Hopper klug genug war, um die Motorräder zu zeigen, die die Autobahn entlang rauschen, ohne dass wir ihnen zuhören mussten Attendant Schläger. Somit ist es auch das erste Rockvideo. Hopper lehnte eine vorgeschlagene Partitur ab und verwendete nur vorab aufgenommene Musik, ähnlich wie es Stanley Kubrick in „2001: A Space Odyssey“ von 1968 tat, einem Film, der erst nach seiner Verabschiedung durch dieselben Jugendlichen aus dem Kassenvergessen gerettet wurde der zu „Easy Rider“ strömte. Natürlich programmierte Kubrick die Klassiker, während Hopper Hendrix, die Byrds, und vor allem Steppenwolfs „Born to be Wild“ beschäftigte, die als Biker-Hymne übernommen wurde. (Es hat auch den Begriff „Heavy Metal“ populär gemacht, der als Oberbegriff für eine aufkeimende neue Form von Rock, besonders gewalttätig und größtenteils düster, verwendet wurde.)

Was für ein Unterschied, den ein Jahr gemacht hat. "Monterey Pop" (auch bei Criterion erhältlich), veröffentlicht im Jahr 1968, ist der Beginn der Dämmerung von "Easy Rider". Ein Konzertfilm, der im Jahr 1967 gedreht wurde und den Triumph der sanften Hippies feiert, deren Geist die anwesenden Polizisten so verführte sah zu und lächelte, als die Langhaare Blumen in ihre Gewehrläufe steckten. Aber auch hier stellen wir fest, dass die Dunkelheit in den Vordergrund rückt. Die bittersüßen Symphonien der Mamas und Papas werden durch die angstvolle Caterwauling von Janis Joplin und die damals schockierende Gewalt von The Who und Jimi Hendrix Experience verdrängt.

Bis 1969 warnte uns Thunderclap Newman, "die Straße und die Häuser einzusperren, weil etwas in der Luft ist". Und Elvis Presley sang traurig über die Schrecken des Lebens "im Ghetto".

Christopher Booker identifiziert in seiner Jung'schen Analyse fünf Phasen des „Traumzyklus“, der die 50er und 60er Jahre charakterisierte. Sie sind die Antizipationsbühne, die Traumbühne, die Frustrationsbühne, die Albtraumbühne und schließlich die Todeswunschbühne oder „Explosion in die Realität“. In „Easy Rider“ erleben wir eine buchstäbliche Darstellung dieser Explosion, wenn Captain America es ist von seinem Motorrad ins Martyrium gesprengt. Die Kennedys waren tot, Nixon war Präsident und der Traum war zu einem Albtraum geworden.

Passenderweise porträtiert "Drive, He Said", das Nicholson leitete und das BBS 1970 veröffentlichte, die Auswirkungen der Nachwirkungen auf eine radikale Studentin. Er sucht Zuflucht bei situationistischen Torheiten, und nachdem sich herausstellt, dass diese nicht verfügbar sind, wird er auf versuchten Vergewaltigungs- und Wahnsinnsversuch reduziert.

"Five Easy Pieces", der Rafelson-Film von 1970, der Nicholson zum Star machte, ist reine Galle. Sein Charakter, Robert Eroica Dupea, ist auf dem Rückzug von seiner Klasse, seinem Talent und seinen Träumen. Er gibt seine Familie musikalischer Wunderkinder auf und arbeitet an einer Bohrinsel. Er greift zu einer klammernden, erbärmlichen Kellnerin, die von Karen Black gespielt wird, der Ikone der 70er Jahre mit einem Gesicht, das nur Picasso lieben konnte. Ihr Traum ist es, die nächste Tammy Wynette zu sein. Rafelson zeigt hier ungewöhnlichen kritischen Scharfsinn. Es scheint, dass die Leute, in deren Namen die Radikalen der 60er gekämpft hatten, die Utopie, die Studenten für die Port-Huron-Erklärung einer demokratischen Gesellschaft gefunden hatten, nicht nutzten. Ihr einziges Problem mit der Konsumgesellschaft war, dass sie nicht genug davon bekamen. In „Easy Rider“ sind die Rednecks physisch und geistig so hässlich, dass sie kaum menschlich sind. in „Five Easy Pieces“ sind sie mehr Opfer als Opfer.

Nicholsons Dupea ist der personifizierte Solipsismus: ein wertloser Mensch. Trotzdem oder vielleicht auch deswegen ist er sexuell unwiderstehlich gegenüber dem weißen Müll, den er in LA lag, und dem sensiblen Künstler (verlobt mit seinem Bruder), den er im Bundesstaat Washington verführt. Als Crasser Hamlet ist er der Prototyp des „Helden des Leidens“, der die Hauptrollen des männlichen Films der 70er Jahre kennzeichnet. In der berühmtesten Szene des Films demütigt Dupea eine andere unglückliche Kellnerin, die als Stellvertreterin für The System fungiert, bevor sie Besteck und Geschirr auf den Boden stürzt und herausstürmt kreischende Freude seiner weiblichen Begleiter und des zeitgenössischen Publikums. Am Ende von „Five Easy Pieces“ springt Dupea in ein Trucker-Taxi und verschwindet. Sein Ziel ist das seiner verwundeten Generation: irgendwo anders als hier.

Als Belohnung für die Bearbeitung von „Easy Rider“ veröffentlichte BBS 1971 Henry Jagloms ersten Film „A Safe Place“. Er wurde vom unendlichen spanischen Pseudonym Anaïs Nin als „Meisterwerk“ ausgezeichnet. Seine Charaktere sind, abgesehen von einer netten Wendung als libidinöser Kad von Nicholson, noch mehr in sich versunken als Dupea. 90 Minuten lang erleben wir kaum mehr als bedrückende Nahaufnahmen von Tuesday Welds Gesicht, während sie ihr affektloses Leid monologisiert, und Aufnahmen von Orson Welles, der Zaubertricks ausführt, während er rabbinische Paradoxe mit jiddischem Akzent vorträgt. "Ein sicherer Ort" ähnelt nichts mehr als einer Reihe von Ausschnitten aus einem Dokumentarfilm über Schizophrenie. Man vermutet, dass Jaglom von dem radikalen schottischen Psychologen und dem intellektuellen Superstar der 60er Jahre, R. D. Laing, beeinflusst wurde, der behauptete, die Ursache des Wahnsinns sei die Familie, Punkt.

Die Familie oder das Fehlen derselben steht im Mittelpunkt von Peter Bogdanovichs „The Last Picture Show“, das 1971 ebenfalls von BBS veröffentlicht wurde. Es wurde von Larry McMurtry mitgeschrieben und basiert auf seinem 1966 erschienenen Roman a roman à clef stammt aus seiner Kindheit in Archer City, Texas, mit 1.800 Einwohnern. Es handelt sich um eine Rachephantasie für Teenager und ähnelt auffallend dem grellen Multimedia-Phänomen „Peyton Place“. Es spielt im Jahr 1952 und nimmt die Wiederbelebung der 50er Jahre vorweg, die merkwürdigerweise durch die Aufführung von „Sha Na Na“ in Woodstock im Jahr 1969 angekündigt wurde. Sein Geist ist jedoch zweifellos zeitgemäß, es sei denn, man glaubt, dass die sexuellen Sitten von Archer City für die damalige Zeit ungewöhnlich verdorben waren und dass Wichita Falls der Sodom des Texas Panhandle war.

"The Last Picture Show" war ein Schaufenster für Bogdanovichs enzyklopädisches Wissen über den Film, das nicht nur aus so offensichtlichen Quellen wie John Ford, sondern auch aus Robert Bressons echtem Meisterwerk, dem damals obskuren "Au Hasard Balthazar", stammt in einem anderen Kontext wiedergegeben. In der Tat könnte man behaupten, dass das idiotische Kind Billy die Version von Bressons heiligem Esel ist, wenn man auf ein Glied treten möchte.

Der kritische und beliebte Erfolg von „Picture Show“ und seinen beiden Nebendarstellern Oscars hat Bogdanovich zum filmischen Wunderkind Amerikas gemacht und zu unvermeidlichen Vergleichen mit seinem Mentor Welles aufgerufen. Das Lob war verdient, als Bogdanovich sich mühelos über sein Material erhob und mit Hilfe von Robert Surtees 'strenger Schwarz-Weiß-Fotografie eine Bildershow einer Stadt schuf, die so denaturiert und hohl war, dass man an jedem Punkt den Wind als allgegenwärtige Präsenz erwartet , fast ein Charakter für sich, der es wegtragen kann.

Die Bewohner der Stadt haben anscheinend die Fähigkeit zur unmittelbaren Erfahrung eingebüßt. Ihre Erinnerungen werden ihnen von den Massenmedien übertragen: Radio und Filme. Und die letzte Bildershow des Titels, das Ende des Stadttheaters, ist das Ergebnis des unbarmherzigen Fortschritts dieses neuen großen Entfremders, des Fernsehens.

Bogdanovichs Stern brannte wie Welles glänzend und verblasste schnell. Und wie Welles hatte Bogdanovich berühmte Schwierigkeiten mit Mädchen. Er verließ seine Frau für "Picture Show" -Star Cybill Shepherd und nahm später mit Playboy Spielkameradin des Jahres Dorothy Stratten, die ihren Ehemann Paul Snyder für ihn verlassen hat. Nachdem Snyder die Affäre entdeckt hatte, lockte er sie zurück in ihr eheliches Zuhause und blies ihr mit einer Schrotflinte den Kopf ab. Nur drei Monate später beschuldigte die Journalistin Teresa Carpenter Bogdanovich der Mitschuld an ihrem Tod und verspottete ihn als einen Mann mit einer „kindlichen Vorliebe für Ingénues“. Aber es lieferte das Ausgangsmaterial für Bob Fosses erstaunlichen „Star 80“, in dem wir daran erinnert werden, dass der Lohn der Sünde der Tod ist. Bogdanovich heiratete 1988 die 20-jährige Schwester von Stratten; Sie ließen sich 2001 scheiden.

Der endgültige BBS-Film „The King of Marvin Gardens“ wurde 1972 veröffentlicht. Man kann sich vorstellen, dass Bob Rafelson ihn sowohl geschrieben als auch inszeniert hat. (Das Drehbuch stammt von Jacob Brackman.) Es handelt sich um zwei Brüder, die die beiden Seiten von Rafelsons Charakter repräsentieren: Dichter und Täter. Jack Nicholson spielt den Dichter, einen zurückhaltenden DJ, der die ganze Nacht über eine gute Linie im Bewusstsein hat. Bruce Dern spielt, wie immer eher amüsiert als verrückt, den Hustler, einen Soldaten in der "Schwarzen Mafia". So wie Rafelson sich über die Führung des amerikanischen organisierten Verbrechens nicht sicher ist, kann er der Versuchung nicht widerstehen, es mit legitimen Geschäften in Einklang zu bringen. Paradoxerweise ist Dern der Träumer, während Nicholson aufgegeben hat. Vielleicht eine Meditation über Hollywood.

"Marvin Gardens" strengt sich an Surrealismus und Allegorie, schafft es aber auch nicht. Wie bei Rafelsons anderen Bemühungen ist Frauenfeindlichkeit nie weit von der Oberfläche entfernt. Andererseits, wer hätte gedacht, dass Ellen Burstyn einen so schönen Körper hat? Nicholson durfte seiner Ehre wegen eine Feinfühligkeit manifestieren, die er später, 30 Jahre später, nicht mehr in seiner Karriere hatte, bis zu „About Schmidt“. Seine größte Tugend ist eine weitere herausragende Leistung des Fotodirektors László Kovács. Es gibt hier Kompositionen, die so großartig sind wie alles im amerikanischen Kino. Natürlich endet alles in Tränen.

Nach "Marvin Gardens" produzierte Bert Schneider "Hearts and Minds" und "Days of Heaven". Rafelson inszenierte zwei weitere bemerkenswerte Filme, "Stay Hungry" und das Remake von "The Postman Always Rings Twice" noch viele Jahre, aber er ist heute meist vergessen. Steve Blauner hat die Branche verlassen.

1973 hatte sich die Revolution in die Verzweiflung des Weather Underground (ein Ableger von Studenten für eine demokratische Gesellschaft) und in den Wahnsinn der Symbionese Liberation Army verwandelt. In der Zwischenzeit war die Wiederbelebung der 50er Jahre in vollem Gange. Chuck Berry und Neil Sedaka feierten ihr Comeback und Pastiches wie "Your Mama Don't Dance" und "Crocodile Rock" dominierten das Radio. „American Graffiti“ war der Überraschungshit des Jahres.

1974, als sich die Nation in Watergate suhlte, debütierten die "Happy Days". Zwei Jahre später war es die beliebteste Sendung im Fernsehen. "Überlasse es dem Biber" war nicht mehr so ​​verlässlich. In diesem Jahr wurde ein einjähriger Gouverneur von Georgia namens Jimmy Carter, der früher wegen seiner Ängstlichkeit „der Honigdachs“ genannt wurde, zum Präsidenten gewählt, nachdem er eine Strickjacke und eine aufrichtige Grimasse angezogen und gestanden hatte Playboy"Ich habe schon oft Ehebruch in meinem Herzen begangen." Es war, als ob die 60er Jahre noch nie passiert wären.

1978, mit dem beispiellosen Erfolg von "Animal House", das sich über liberale Frömmigkeiten lustig machte, kehrte der Jungsche Traumzyklus in die Antizipationsphase zurück. Zwei Jahre später wurde Ronald Reagan gewählt und die Traumbühne stand vor der Tür.

„America Lost and Found: Die BBS-Geschichte“ ist ein typisches Criterion-Produkt. Das heißt, es ist in jeder Hinsicht von höchster Qualität. Die Präsentation ist anzeigetauglich und die Ergänzungen sind erschöpfend. Betrachtet man die Übertragungen, fallen die Jahrzehnte weg und wir beobachten die 60er Jahre nicht so, wie der Mythos es hat, sondern so, wie es die kulturelle Avantgarde getan hat.

Kevin Michael Grace ist Herausgeber von ResourceClips.com. Er lebt in Victoria, British Columbia.

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